Clemens Hollerer, Valerie Krause, Vincent Olinet, Leunora Salihu, Thomas Schütte sculptures NOW focus on small pieces 24.05.2013 — 27.07.2013

24.05.2013 — 27.07.2013
The new exhibition performed by the Galerie Ruth Leuchter is dedicated to a medium supposed to be exhausted: the sculpture. Six contemporary positions are there to measure its topicality. The artists presented, five of them belonging to the latest generation of artists, choose single motifs or moments from „classical“ sculptural practice to confront them with today’s acts of expansion, reduction or dissolving boundaries. To achieve that the artists restrict themselves to smaller dimensions, not lacking an enormous presence and vividness, actually, conveying a monumental presentness.


Valerie Krause’s  (1976 Herdecke; lives in Düsseldorf) pieces in the exhibition demonstrate a radical mode of medial Janus face character. She makes her sculptures to appear as painterly gesture. A small surface inconspicuously lies, sits, floats immediately in front of a wall or on a neutral frame, as it were itself putting into shape. Obviously, we encounter a painting action solidified in its process. Painting becomes autonomous and reveals by its layering an own plastic presence which it has indeed in reality due to be placed on a metal frame. In addition, Valerie Krause uses „non-colours“, hardly to perceive. She applies them highly saturated as a smoothed out surface, raised at the edges. White or grey look fresh as if not yet dried ... Here, Valerie Krause works with an extreme reduction of the segments of sculpture and painting. Whereas, for her other groups of works, she chose a clear plastic approach or an intervention in the place of exhibition, her displayed pieces now evade in that place itself.


Clemens Hollerer (1975 Bruck/Mur, Austria; lives in Bad Gleichenberg, Austria) dedicates his whole work to a similar, however, very different scarcity of use of the real space. He bars it with slats, creates architecture within architecture and, from time to time, marks it in colour as a place and a non-place. His slats and wooden reliefs, which he now shows as autonomous sculptures, describe how he deals with constructive laws which they subtly circumvent. Signs of that are the blue shade glowing in the edge of the screen and the stele slit open and revealing its materiality. Hollerer demonstrates the deviation from the rule – but this deviation opens a gap that allows objects and functional tools to become sculptures and defines space.


Etienne Fouchet (1981 Vitré; lives in Lille, France) already provokes with his use of bronze to which he has applied patina, in the classical tradition of representative sculptures. In that sense, the title of his works „Force Attractive“ is ambiguous, an allusion to the ideas and the forces behind them – and to the fact that beauty is an illusion; after all, the works with their outer appearance pretend a different materiality (wood, steel). His sculptures, which unquestionably incorporate the monument idea, seem to be multi-part pieces with their several parts being in tricky, even antagonistic relations – similar to the colours in Valerie Krause’s work – still fully in process. On the other hand, you should not forget that they could origin from a monolithic shape and could even be able to deconstruct ...


Leunora Salihu (1977 Prishtina; lives in Düsseldorf), too, explicitly gets involved in the parameters of sculptures and transfers their qualities to the present day. Her works unite moments of nature and natural, industrial standardization and architectonic, sometimes remind of honeycombs and elementary formulations made by human hand. Objects from distance looking like technically made products, from close up, prove to be archaic motifs; what seems to be a stereometric continuum, belonging to the arched ribbons, actually consists of deviations. Aspects Leunora Salihu uses to repeat, besides the explicit reference to the corporality of the human being in the person opposite, are serial layering, symmetry (therefore, two-part) and dealing with the covering of the floor or the wall, with the plinth turning out to be a substantial part of the work. It is only gradually that the thoughtful and formal complexity and the precise simplicity reveal that characterize the way these works approach the concepts and stereotypes of sculptural self-assertion.


The artistic contributions of Etienne Fouchet – and Clemens Hollerer as well – have a destruction factor, however, Vincent Olinet (1981 Lyon; lives in Brussels and Singapore) definitely breaks away from all ideas of sculpture. Moreover, he does not even state them in his work of art. His subjects which really have the fragile state they suggest and the colourfulness which looks like icing and kitschy due to the shimmering brightness seem to be objects far apart from real art and reminding of multi-storey (wedding) cakes and replicas of them displayed in confectioners’ shop-windows. However, Olinet’s art, despite all the irony, is extremely serious. Olinet creates scenarios of festivity of splendid, opulent and baroque character using naturalistic materials. The fact the Olinet’s cakes are shifted within themselves and seem in danger of partially collapsing together with their toxic artificiality (in the true sense of the word) makes them real representatives of an artificial world. They deal with colours and therefore object-free colour forms – with their subject they call to mind a history of recent painting from Wayne Thibault to Ralph Fleck, Ansgar Skiba and Cornelius Völker – although they are plastic, absolutely totally viewable and more stable than the visible fragility suggests. And finally, with their eloquent expressivity, they seem to announce that the classic sculpture is passé and the sculpture is alive and that we should shield ourselves from the manipulation by the daily stream, and even beat it with its own means.


Thomas Schütte (1954 Oldenburg; lives in Düsseldorf), so to say, sets the statement of this exhibition. He has long been internationally established with his versatile works. It is thanks to him that plastic art and (figural) sculpture have become socially acceptable again. Thomas Schütte in his work always has relied on the small shape; take for example his architectonic models and his theatrical figural scenes. He is unique in his approach of seemingly rigid public forms of the figure, especially the monumental „Große Geister“ (Great Spirits) as well as the groups of deformed women’s nude studies.

Even if we do not know which work Thomas Schütte will contribute to this exhibition, it can be expected that he will use subversive and reflexive formulations – as well as the other artists do - to attribute to the sculpture  new life and necessity in our society … To conclude, this exhibition allows to „play“ with the modalities of the metier, for example, monumentality, use of support surfaces, gravity, relation to space and demands in space, total viewability, object and gesture between reduction and expressivity, and that in a format that seems to be an affront against the „true “ sculpture. However, precise descriptions of the state and condition and real utopias are particularly inherent to small dimension.   (th)



Mit ihrer neuen Ausstellung widmet sich die Galerie Ruth Leuchter einem vermeintlich verbrauchten Medium, der Skulptur, und überprüft anhand von sechs zeitgenössischen Positionen dessen Aktualität. Die vorgestellten Künstler, von denen fünf der jüngsten Künstlergeneration angehören, greifen einzelne Motive oder Momente aus der „klassischen“ skulpturalen Praxis auf und konfrontieren diese mit heutigen Maßnahmen der Erweiterung, Verknappung oder Entgrenzung. Dazu beschränken sich die Künstler auf kleinere Dimensionen, die gleichwohl eine enorme Präsenz und Lebendigkeit tragen, ja, mithin eine monumentale Gegenwärtigkeit vermitteln.

Eine radikale Form medialer Janusköpfigkeit demonstrieren die ausgestellten Werke von Valerie Krause (1976 Herdecke; lebt in Düsseldorf). Sie lässt Skulptur als malerischen Gestus auftreten. Unmittelbar vor der Wand oder auf einem neutralen Gestell liegt, sitzt, schwebt eine unauffällige kleine Fläche, die sich gewissermaßen selbst in Form gesetzt hat. Sichtlich haben wir es mit einer Malhandlung zu tun, die im Prozess verfestigt ist. Die Malerei wird autonom und offenbart mit ihrer Schichtungen eine eigene plastische Präsenz, die sie zudem als Setzung auf einem Metallträger realiter besitzt. Dazu arbeitet Valerie Krause mit „Unfarben“, die man kaum sieht. Sie trägt diese mit großer Sättigung als glattgestrichene Fläche auf, die sich an den Rändern erhebt. Ja, das Weiß oder Grau wirkt frisch, noch gar nicht getrocknet ... Valerie Krause arbeitet hier mit einer extremen Reduktion der Bereiche Skulptur wie auch Malerei, und nahm sie diese bei ihren anderen Werkgruppen deutlich plastisch oder als Intervention im Ausstellungsraum vor, so entziehen sich ihre ausgestellten Beiträge nun in diesem selbst.

Clemens Hollerer (1975 Bruck/Mur, Österreich; lebt in Bad Gleichenberg, Österreich) widmet sich in seinem ganzen Werk einer ähnlichen, wenn auch formal sehr anderen Sparsamkeit im Umgang mit dem Realraum. Er versperrt diesen durch Latten, schafft eine Architektur in der  Architektur, die er mitunter farbig als Ort und Un-Ort markiert. Seine Latten und Holzreliefs, die er nun als autonome Skulpturen präsentiert, beschreiben den Umgang mit konstruktiven Gesetzmäßigkeiten, die sie subtil unterlaufen. Da sind die blaue Farbe, die in der Kante des Rasters leuchtet, und die Aufgerissenheit der Stele, die damit ihre Materialität zu erkennen gibt. Hollerer demonstriert die Abweichung von der Regel – aber diese Abweichung als Zwischenraum ist es hier, die aus den Dingen und Funktionsträgern Skulpturen schafft und Raum definiert.

Etienne Fouchet (1981 Vitré; lebt in Lille, Frankreich) provoziert, schon durch die Verwendung von Bronze, die er mit einer Patina versehen hat, die klassische Tradition der repräsentativen Skulptur. In diesem Sinne ist bereits sein Werktitel „Force Attractive“ mehrdeutig, spielt auf die Anmutung und die Wirkkräfte dahinter an – und darauf, dass das Schöne doch eine Illusion ist, schon indem die Werke in ihrem Look eine andere Materialität (Holz, Stahl) vorgeben. Seine Skulpturen, die auf jeden Fall die Idee des Monumentalen in sich tragen, wirken mehrteilig, wobei die Teile in einem vertrackten, sozusagen antagonistischem Verhältnis zueinander stehen, welches – ähnlich wie die Farbe bei Valerie Krause – noch mitten im Prozess steckt. Umgekehrt sollte hier nicht vergessen werden, dass sie aus einer monolithischen Form gewonnen sein könnten, ja, diese dann sogar dekonstruieren ...

Auch Leunora Salihu (1977 Prishtina; lebt in Düsseldorf) lässt sich in ihrem Werk explizit auf die Parameter von Skulptur ein und überträgt deren Qualitäten in die Gegenwart. Ihre Werke führen Momente der Natur und des Natürlichen, der industriellen Normierung und des Architektonischen zusammen, erinnern mitunter an Waben und an elementare Formulierungen durch Menschenhand. Was mit Abstand wie ein technisch gewonnenes Produkt wirkt, erweist sich bei nahem als archaisches Motiv; das vermeintlich stereometrische Kontinuum der Module, das den bogenartigen Bändern eignet, besteht tatsächlich aus Abweichungen. Aspekte, auf die Leunora Salihu wiederholt zurückkommt, sind, neben einem expliziten Bezug auf die Körperlichkeit des Menschen im Gegenüber, die serielle Schichtung, die Symmetrie (und damit Zweiteiligkeit) und der Umgang mit der Auflage auf dem Boden oder der Wand, wobei sich der Sockel als substanzieller Teil der Arbeit entpuppt. Erst allmählich werden die gedankliche und formale Vielschichtigkeit und die präzise Leichtigkeit deutlich, mit der diese Arbeiten mit den Begriffen und Stereotypen skulpturaler Selbstbehauptung umgehen.

Eignet den künstlerischen Beiträgen von Etienne Fouchet – wie auch Clemens Hollerer – ein Moment des Zerstörerischen, so bricht Vincent Olinet (1981 Lyon; lebt in Brüssel und Singapur) erst recht mit allen Vorstellungen von Skulptur. Noch schlimmer: Er behauptet diese in seiner Kunst gar nicht erst. Schon durch die Sujets, die tatsächlich den fragilen Zustand besitzen, den sie zeigen, und durch die Farbigkeit, die in ihren hell schillernden Tönen wie Zuckerguss und kitschig wirkt, schafft er (vermeintlich) kunstferne Objekte, die an gestufte (Hochzeits-) Torten und deren Replikate in den Schaufenstern des Konditorhandwerks erinnern. Aber die Kunst von Olinet ist bei aller Ironie höchst seriös. In seinem ganzen Werk schafft Olinet mit naturalistischen Mitteln Szenarien des Feierlichen, die sich dem Prunkvollen, Opulenten und Barocken zuordnen lassen. Auch – oder weil – die Torten von Olinet in sich verschoben sind und partiell zusammen zu fallen drohen, gerade weil sie das giftig Künstliche (wortwörtlich:) ausstrahlen, entpuppen sie sich als wahre Vertreter der Kunstwelt. Sie handeln mit Farbe und mithin gegenstandsfreien Farbformen – sie erinnern im Sujet an eine Geschichte der jüngsten Malerei von Wayne Thibault über Ralph Fleck, Ansgar Skiba bis Cornelius Völker – sind bei alldem aber plastisch, unbedingt allansichtig und stabiler als die sichtbare Labilität vermuten lässt. Und schließlich scheinen sie uns in all ihrer beredten Expressivität mitzuteilen, dass die klassische Skulptur passé ist und die Skulptur lebt und wir uns vor der Vereinnahmung durch die alltägliche Berieselung zu wappnen, ja, diese mit ihren eigenen Mitteln zu schlagen haben.

Thomas Schütte (1954 Oldenburg; lebt in Düsseldorf) gibt dieser Ausstellung sozusagen das Statement vor. Längst ist er mit seinen so verschiedenen Werken international etabliert, und zu seinen Verdiensten gehört es, seit den 1970er Jahren Plastik und (figürliche) Skulptur wieder salonfähig gemacht zu haben. Thomas Schütte hat in seiner Kunst stets auf die kleine Form vertraut, denken wir nur an seine architektonischen Modelle und seine theatralischen figürlichen Szenen. Ein weiteres ist der Umgang mit vermeintlich festgefahrenen öffentlichen Formen in der Figur, besonders in den monumentalen „Großen Geistern“ wie auch den Werkgruppen deformierter Frauenakte.
Wenn wir nun also nicht wissen, was für eine Arbeit Thomas Schütte zu dieser Ausstellung beisteuern wird, so darf jedenfalls mit ebenso subversiven wie reflexiven Formulierungen gerechnet werden, mit denen er  – wie die anderen Künstler – der Skulptur neues Leben und Notwendigkeit in unserer Gesellschaft verleiht … Überhaupt, in dieser Ausstellung wird allenthalben mit den Modalitäten des Metiers „gespielt“, etwa mit Monumentalität, dem Umgang mit der Auflagefläche, Schwerkraft, Raumbezug und Raumbehauptung, Allansichtigkeit, Körper und Geste zwischen Verknappung und Expressivität, und das in einem Format, welches ein Affront gegenüber der „wahren“ Skulptur zu sein scheint. Und doch: die präzisen Zustandsbeschreibungen und die wahren Utopien finden sich erst recht in den geringen Dimensionen.   (th)